Meilleurs albums Jazz 2023

Chris Potter est un talent brut, un des saxophonistes les plus appréciés du monde du Jazz, et chacun de ses albums est un évènement !

Enregistré dans la célèbre salle new-yorkaise, le Village Vanguard, Got the Keys to the Kingdom revisite des titres Folks, Soul et Jazz à travers une performance énergique, de haute intensité, le tout sur la base d’une technique irréprochable et d’une joie communicative.

C’est génial !!!

Ballaké Sissoko et Vincent Segal jouent ensemble depuis 13 ans dans un duo Jazz dynamique des plus agréables. Le premier joeu de la kora et le deuxième du violoncelle. A leur duo, ils ont ajouté Emile Parisien (saxophone) et Vincent Peirani à l’accordéon.

Les Égarés est un album Jazz atypique aux consonnances riches et variées. Le travail sur les harmoniques est précis mais n’empêche pas quelques moments d’improvisation. Les musiciens ne se font pas concurrence, ils sont là pour se sublimer et sublimer leur musique. Et ça marche !

Leurs morceaux sont autant de mélanges que d’identités, un métissage de leurs influences sublimées par chacun des instruments.

Cet album est une magnifique et grande œuvre qu’il convient de découvrir par soi-même. Parfois, la musique vous imprègne et les mots manquent pour exprimer combien tout fait sens.

Ainsi qu’un morceau de David Bowie à la fin…

Du Jazz piano pour profiter à fond de l’œuvre des Beatles qui étonnamment prend une couleur légèrement différente avec des accords Jazz tout en gardant l’esprit original des compositions.

Brad Mehldau réussit là un tour de force : s’approprier une œuvre que tout le monde connaît et a déjà repris, tout en y glissant sa propre poésie, pour ne pas dire identité (écoutez Golden Slumbers, c’est magnifiquement sublime).

C’est un album tout au piano, en solo, étonnamment mystérieux et pénétrant.

En écoutant cet album, j’ai pensé que c’était un disque qui n’avait pas besoin d’en faire des tonnes pour être beau. Pas besoin de faire mille prises, pas besoin d’essayer d’impressionner les autres, pas besoin d’être ce qu’il n’est pas. C’est un album sincère.

Il aura fallu attendre 2018 pour découvrir le 1er album solo de Black Throught, figure emblématique du groupe The Roots. Quelques années plus tard, il se lance dans une collaboration avec le groupe El Michels Affair.

L’album mélange des sonorités Jazz au Hip-Hop, et autant le dire de suite, si vous êtes allergiques au Hip-Hop, cela vous sera difficile à écouter. Le Jazz ici est minimaliste, au contraire des paroles introspectives.

Si on a connu El Michels Affair plus funky, Glorious Game s’avère être un très bel album, sérieux, aux arrangements subtiles et puissants. Oui, les deux à la fois. Je vous laisse vérifier !

J’ai découvert Alfa Mist lors de son précédent album Bring Backs qui m’a amené à écouter son chef d’œuvre Antiphon. Alfa Mist j’aime beaucoup. D’abord parce qu’il fait partie de ces artistes qui me fait aimer à nouveau le Hip Hop (j’en écoutais beaucoup pendant mon adolescence puis ai complètement abandonné) en y ajoutant un univers Jazz personnel et touchant. Bien sûr, on pourrait prendre la chose à l’inverse et dire qu’il met du Hip Hop dans du Jazz… Peu importe après tout, les univers se complètent merveilleusement bien ici !

Vous trouverez alors des chansons à textes et des morceaux instrumentaux (qu’au fond je préfère) qui ensemble réalisent une belle harmonie dans la construction de l’album.

Alfa Mist, avec Variables, son 5e album, continue son bonhomme de chemin avec un disque encore une fois parfaitement produit, personnel et subtil.

Aux premières notes de l’ouverture de l’album, le morceau Merle the Pearl nous fait voyager ailleurs. Quelque part entre le monde africain et le monde latin. On comprend dès lors le titre de l’album : Danse du Bonheur Mystic, quelque chose de l’ordre du sacré, rapidement rééquilibré avec le morceau Little Demons qui joue sur une impulsion au tempo stimulant qui emmène vers une danse plus mystérieuse que mystique.

Tout ne sera pas facile ici. L’album se veut volontairement expérimental parfois et peut en laisser plus d’un sur le côté. Pourtant, je vous invite à vous forcer un peu, à lire la musique et à comprendre l’intention. Si Topanga Burns peut dérouter par endroit, sa musicalité sur fond de rythmiques tango nous enjoue.

Michael Blake joue avec les genres, parfois du Jazz Rock, parfois du Jazz Soul, parfois du Jazz Oriental, parfois une liberté qui surprend, mais toujours une musique au service de son univers.

Dance of the Mystic Bliss est un album maîtrisé, complexe, porté par un saxophoniste talentueux doté d’un véritable univers musical. On appelle ça avoir de l’identité. Et accessoirement la classe !

On ne va pas se mentir – ce n’est pas le genre de la maison – cet album vous fout une baffe monumentale ! Si j’ai hésité à lui donner l’étiquette de Jazz, c’est bien parce que cet album semble toucher à tout. D’abord, Joshua Blue est un chanteur d’opéra. Par le passé, des chanteurs d’opéra qui s’essayaient au Jazz avaient tendance à dénaturer les paroles. Ici, le phrasé est parfait et au service de la musique. Au piano, Steven Blier, figure emblématique de la Juilliard School (l’une des écoles de musique et d’arts du spectacle les plus renommées des Etats-Unis (mais aussi une des plus chères…) nous emporte aux sons d’arrangements discrets mais efficaces qui accompagnent merveilleusement la voix de Joshua Blue.

Sur le fond, Black & Blue est un album rendant hommage à l’histoire et à la musique africaine-américaine avec des reprises emblématiques de chansons telles que Strange Fruit et At Last.

Un album puissant, magnifique, servi par une voix exceptionnelle.

Si vous aimez le piano et le Jazz piano, cet album est fait pour vous. Si en plus vous aimez le Sacre du Printemps de Stravinsky, vous ne pourrez qu’être conquis !

Maintenant, imaginez 2 grands pianistes se faire face. D’un côté Sylvie Courvoisier, suisse spécialiste de l’improvisation, de l’autre Cory Smythe, américain spécialiste de l’improvisation… Un ballet se lance alors entre les 2 musiciens, une danse au service de la musique, pas une confrontation, 2 artistes qui se subliment l’un et l’autre.

Si Spectre d’un songe (29 min) est peut-être un morceau moins accessible, les écouter interpréter leur version du Sacre du Printemps est un plaisir d’une rare beauté.

Un véritable chef d’œuvre.

L’histoire derrière ce disque est surprenante et explique non seulement sa qualité, mais aussi le sentiment de liberté qui en découle. Tout commence avec Charlie Haden, contrebassiste et ami de Pat Metheny qui lui avait conseillé de s’enregistrer lorsqu’il jouait, dès qu’il improvisait. Il suivit son conseil sans rien en faire jusqu’au jour où il se replongea dans ces compositions inopinées.

Ces croquis qu’il avait grattés sur sa guitare ressortent ici, retravaillés, recomposés, les rêves du passé devenant alors réalité.

Le résultat est un album de 6 compositions originales et de 3 reprises. Le guitariste, connu pour sa technicité, nous livre un album plus accessible, mélodique au possible, humble et tendre. Vous n’entendrez ici que de la guitare, rien d’autre, une guitare omniprésente qui enrobe chaque composition grâce à son son profond et subtil.

Le Tyshawn Sorey Trio est composé du pianiste Aaron Diehl, du bassiste Matt Brewer et du batteur Tyshawn Sorey. Ce dernier, en leader du trio, nous livre un remarquable album, Continuing, qui continue à faire vivre des morceaux de Jazz et des artistes d’une autre époque.

On retrouve des interprétations de Wayne Shorter (Reincarnation Blues), Ahmad Jamal (Seleritus) dont j’ai déjà parlé ici (mais on en parle jamais assez), une composition de Matt Denis mainte fois reprise (Angel Eyes), et une composition d’Harold Mabern pour Lee Morgan (In What Direction Are You Headed ?). 4 compositions donc, pas une de plus, pour un album sublime. Piano, basse, batterie, pour une session Jazz pure, dont tout paraît si simple tellement c’est bien fait.

Si l’album sent bon l’hommage, il réussit aussi le tour de force d’une identité propre – le trio s’approprie les morceaux – qui le propulse parmi les albums Jazz les plus réussis de l’année ! Alors on ne va pas s’en priver !

L’album Black Classical Music de Yussef Dayes est une véritable surprise. Je ne connaissais pas Yussef Dayes, je ne savais pas à quoi m’attendre, sinon qu’il avait bonne réputation dans le monde du Jazz.

Pour ce premier album solo, le batteur britannique offre une expérience sonore époustouflante et riche en textures et en émotions, qui démontre non seulement une virtuosité certaine à la batterie, naviguant avec aisance entre des rythmes complexes et des grooves hypnotiques, mais aussi à l’écriture de morceaux originaux et modernes.

Dayes explore les thèmes de l’identité, de la créativité et de l’héritage, et célèbre l’influence et l’innovation des artistes noirs dans le monde de la musique, offrant un hommage profond à ses influences.

L’album, composé de 19 morceaux, est truffé de nombreuses collaborations qui ajoutent une identité propre à l’univers de Dayes.

L’album nous transporte dans un voyage sonore où les frontières entre les genres semblent s’estomper. Des éléments de Jazz, de Hip-Hop, de Funk, de musique électronique se fondent harmonieusement, créant une véritable symphonie moderne et envoûtante.

Black Classical Music est un album qui innove avec un son frais et résolument contemporain. Chaque piste est une exploration, une invitation à découvrir le monde que Yussef Dayes souhaite nous montrer.

Une œuvre formidable difficile à étiqueter.